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Memoria Castrada (sobre el documental “Alfaro Vive Carajo”, de Mauricio Samaniego)

Por Alejandro Burbano

El malestar que causa la memoria del pasado de un país puede ser opcional. El trabajo de contar la mayoría de los efectos actuales de un gobierno pasado, es también opcional, así como su consecuente incomodidad. El conocimiento “de” trae su equivalente ¿recompensa?: la desilusión de que lo mismo se repite, en diferente forma. El documental de Alfaro Vive Carajo tiene ese objetivo. Recordar y reconocer todos los terribles años que pueden ser descritos superficialmente como una época de aparentes cambios, en la que la memoria fue oscurecida para un imposible bien mayor. No hay voces exteriores. La película se desarrolla a partir de la propia experiencia de los protagonistas, y con esta, la memoria toma un papel igual de protagónico. La tranquilidad de épocas pasadas que alguna vez fue evocada, sirve como eclipse de una realidad ominosa.

A lo largo de la cinta dos momentos se inscriben en el espectador: un joven prototipo de AVC que liderado por Arturo Jarrín conoce empíricamente el Ecuador, en sus zonas rurales las cuales son desconocidas todavía para muchos. La consolidación de grupos de estudios universitarios en el que ideas de izquierda eran estudiadas y algunas veces desechadas. Un primer pasaje a la acción en donde todo lo que se estudió se vuelve real, y así se mantiene.

El segundo momento habla de justamente eso que es oculto y  a la vez familiar. Formas de tortura en el que su simple evocación causa un malestar inmediato tanto del espectador como de quién lo cuenta. Un gobierno que desmiente ante pruebas veraces de lo sucedido. El fantasma de otro país que sigue presente hasta nuestros días y la configuración histórica actual que ha conllevado su participación.

El documental de Alfaro Vive Carajo se mantiene a flote por el relato visceral, nostálgico, anecdótico y esperanzador. Los personajes que lo cuentan no son actores, son —más de treinta años después— los mismos jóvenes que una vez se entrenaron con el M-19, huyeron de la represión del gobierno, fueron torturados, tenían convergencias entre su ideología, en fin, una familia en el caos. Reducir la opresión de la época a  justificaciones irracionales, o ganancias secundarias, se diluyen en los primeros minutos de la película. El mismo relato que fascina, impacta y causa risas por la originalidad de sus protagonistas, pierde su ritmo con las escenas que se cuelan y causan confusión en el espectador. Una historia se mezcla con otra y en momentos se llega a preguntar si seguimos en Ecuador o en Colombia, la puntuación de la película es, la mayoría de veces, caótica. La dirección del documental se encuentra frágilmente realizado, así como la edición de la misma; no queda dudas que el público no tiene que sentirse culpable por la confusión de escenarios o protagonistas.

A pesar de la dificultad para mantener la atención en una sola historia, la película cumple parcialmente su cometido como documental: exponer su realidad subjetiva. El final de la cinta muestra el pensamiento Alfarista vivo, así como la convicción de sus miembros de volver a repetir sus experiencias, a pesar de que no sea el mismo río. Ante esta seguridad de mantenerse en pie, surge una pregunta necesaria: ¿Todo acabó o la represión simplemente cambio de forma de expresión?

 

Familias y Chacales (sobre “Beasts of No Nation”, de Cary Fukunaga)

por Alejandro Burbano

El dolor que se carga con la familia. Esa pesadez que se vuelve manifiesta al darnos cuenta que somos todo el pasado; lo que no queremos y al fin somos. En “Beasts of No Nation” el peso de la familia se conjuga con la guerra, teniendo como resultado final una película terrible con las emociones del espectador, en donde el  excesivo metraje resulta imperceptible.

La trama expone la infancia de Agu, un niño que vive con su familia en una zona neutral en un desconocido país en guerra en África. La inocencia de Agu y sus amigos es mostrada en las primeras escenas. La unión de su familia y la comunidad. La voz en off de Agu sigue toda la película, la cual sospechamos es una plegaria hacia otra realidad. La guerra llega a la zona neutral y el pequeño parece perderlo todo. Lleno de terror se adentra en la selva —posible metáfora explotada en “The Thin Red Line” o “Apocalipse Now”— encuentra una guerrilla que lo aprisiona y no desecha la inutilidad de que Agu es un niño.

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Tomada de: cinematographiliac.tumblr.com/post/134980167837/endless-list-of-beautiful-cinematography-beasts

Los objetivos de la guerrilla resultan nimios. El recién llegado Agu experimenta un bautizo para convertirse en un guerrero, y obviamente, solo así ser parte de la familia. Idris Elba en su rol más reciente encarna al Comandante sin nombre de la guerrilla que acoge a Agu, como un hijo y alumno. La unión padre e hijo da una total vuelta de tuerca en la relación incestuosa entre los dos. El poder mostrado al inicio del Comandante, empieza a desmoronarse cuando tiene que seguir órdenes de otros. De alguien que tiene una visión diferente de la guerra ya que está mezclada con política. La rebelión de la guerrilla del Comandante empieza, y así, el caos.

La película logra mantener el ritmo y decae después de una hora y media. Si bien la caída es imperceptible, el espectador es distraído fácilmente por la fotografía y la ternura que se exterioriza cada vez más. Sí, una película anti-bélica. Una escena delirante muestra la irrealidad de la guerra con colores ficticios. El miedo de Agu es no poder ser niño, no poder hacer las “cosas” que hace un niño. Después de la cocaína, ser testigo y participe pasivo de violaciones; se puede volver a esa inocencia? El final es esperanzador, Agu cambia la selva por el mar.

“Beasts of no Nation” es una película que no se debe dejar pasar; la mezcla de inocencia, fotografía y actuación están presentes en toda la cinta. Si bien tiene más peso las escenas violentas, los accesos a una ternura infantil siguen intactos. La disolución de la familia cerca del final de la película, en donde también ocurre un parricidio simbólico de abandono, es uno de los golpes más fuertes para sus miembros. El síndrome de abstinencia, los flashbacks, el no poder encajar en la etiqueta de “niño”; no son más que síntomas ante la disolución de esa difícil, llena de dolor, pero al fin y al cabo, familia.

 

El problema con “The Hateful Eight”

Por Alejandro Burbano

¿Qué espera el espectador de una película de Quentin Tarantino? ¿Cuáles son las características para definir la esencia del universo del director? Estas dos preguntas las podemos aplicar a una película de Lynch, Fincher o Allen. Cada director exterioriza ciertas características para que el espectador de cine, introyectador masoquista, las aprecie y las guarde en su memoria como una posible huella de su experiencia. El espectador se acostumbra a ciertas reglas y espera el mismo resultado en próximas películas. Ahora,  ¿qué ocurre con “The Hateful eight”? y, ¿por qué resulta una de las películas más pesadas de Tarantino?

“The Hateful Eight” es un Western claustrofóbico en el que la historia se mezcla con varios elementos del azar, flashback a “Pulp Fiction”, para formar una trama que lleva al espectador a sospechar de todos los personajes en los muchos “climax” de la película. Y claustrofóbica no solo refiriéndome a la ubicación en donde se desarrolla, sino también como sensación presente en donde el espectador se siente ofuscado y en momentos aburrido por la historia. Si bien las películas de Tarantino no se caracterizan por una trama perfectamente construida, el estilo y la originalidad de los personajes son la atracción en la mayoría de ellas.

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Tomada de:  httprockthebestmusic.comwp-contentuploads201601hateful-eight.jpg

 

“The Hateful Eight” se encuentra dividida en seis capítulos, en donde en cada uno se irán insertando a la trama los ocho “odiosos”. Cada uno de ellos es un intento forzoso de un personaje misterioso, donde sobresale la siempre impecable actuación de Samuel L. Jackson, Jennifer Jason Leigh y Kurt Russell; los demás personajes pasan a ser secundarios, incluso la fugaz  —¿E innecesaria?— aparición de Channing Tatum. La originalidad de los personajes presente en la filmografía de Tarantino no funciona como en películas anteriores.

El elemento clásico de Tarantino: su violencia injustificada se vuelve alejada de la película y parece no coincidir con la totalidad de la obra. Muchas escenas sobran y los seis capítulos que parten a la película podrían resultar en menos, incluso en menos de la mitad. Aunque “Django Unchained” haya sido una buena película, comparándola con “The Hateful Eight” resulta excelente, no pensemos en “Reservor Dogs” o “Pulp Fiction”. ¿Es el decaimiento de Tarantino? No lo creo. Solo una caída que será olvidada.

Podría realizar un análisis salvaje y concluir que “The Hateful Eight” es una de las películas con menor calidad en su guion. Y no es que Tarantinio brille por sus grandiosos guiones, sino de cómo situaciones que pueden parecer ridículas e innecesarias las convierte en algo original. Sin embargo, algo paso con el alquimista y en su última película solo podemos apreciar un aburrido guión que nos lleva a aguantarlo por un compromiso con sus películas pasadas por tres horas, después, total arrepentimiento.

Eso sí, no podremos llevar nunca ese rencor a Morricone, la banda sonora es genial y parece ser que es una de las pocas cosas que sostienen a la película.

 

Desconfirmación del amor (sobre “Love” de Gaspar Noé)

por Alejandro Burbano

En una de las escenas de “Love”, Murphy —protagonista de la cinta— cuenta que su mayor sueño es crear una película que exponga un tipo de sexualidad genital mezclada acertadamente con lo sentimental.  Gaspar Noé, con su extensión cinematográfica en Murphy, no logra realizar la fantasía de su proyección. “Love” es una mezcla de varias cosas: escenas de sexo fuerte, uso de drogas, arrepentemiento; lo que no logra ser en ningún momento es su cometido original, mostrar crudamente la cara sensible o emocional del amor, objetivo original de Noé.

La premisa de la película nos mostrará la no tan sorprendente historia de una pareja que mantienen una relación por dos años —Murphy, estudiante de cine y Electra, artista—, en este tiempo la intensidad de sus experiencias será equivalente al daño que cada uno le hace al otro. En fin, la conocida muestra de que el amor daña, duele y puede llevar a la locura. Definición de Noé. A partir de esta misma girará todo el argumento, mientras que la sensibilidad que el director trata de exponer acerca del amor, poco a poco pasará a un segundo plano.

La primera escena de la película muestra a Murphy y a Electra teniendo sexo, él eyacula y la escena cambia a un escenario distinto: esta acostado al lado de una mujer, es primero de enero, tiene una resaca química que le hace cuestionar y maldecir a quién esta a su lado, y a su hijo. Sumado a este malestar, Murphy recibe la llamada de la madre de Electra, la cual no ha estado en contacto con nadie desde hace mucho tiempo. La preocupación de la madre y de Murphy tienen justificación debido a la ideas suicidas de ella. La melancolía de Murphy lo lleva revivir todos los recuerdos con Electra y recordar lo que él pensaba que era el amor.

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La definición que muestra Noé acerca del amor estará basada en sus propias experiencias y percepciones, es aquí donde la película se muestra como la más personal en la cinematografía del director. De esta manera, guiños a lo largo de la cinta como el nombre del hijo de Murphy se llame Gaspar, o el ex novio de Electra se llame Noé, no sean referencias casuales. El uso de estos cameos o guiños a los nombres del director no resultan de ninguna manera un ejercicio narcisista molesto, crítica común en la filmografía de Noé. El cine en sí es unos de los ejercicios narcisistas más comunes. El problema radica en la irrelevancia o nimiedad que aportan a la película, y en el caso de “Love”, resultan molestos.

Las escenas de sexo fuerte que tal vez quieren transmitir otra visión resultan molestas e innecesarias, no por algún tipo de complejo moralista, sino porque no aportan algún tipo de continuidad en la película. El problema no se encuentra en cuantos penes erectos se muestran en pantalla, o cuantas diversas formas de relaciones sexuales se enseñen —una incluyendo al propio director: ¿falsa o verdadera? resulta irrelevante—, sino de cómo éstas son usadas  para intensificar o, en el caso de “Love”, disminuir la atención del espectador de la premisa central.

La idea de Noé de mostrar un tipo de sexualidad que es común para la mayoría, falla al presentarse como paradigma. La definición personal del director propuesta en la película, resulta fría por la actuación de los protagonistas, en donde el espectador puede encontrar más valor en las escenas de sexo que en los diálogos. Así, “Love” resulta una de las películas menos elaboradas de Noé, se muestra como simple y la olvidamos después de una semana.

 

 

El camino a la tercera temporada de Twin Peaks

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por Alejandro Burbano

Sí, posiblemente el regreso de Twin Peaks esté totalmente alejada de la serie original, la efímera presencia de Lynch en las dos primeras temporadas dejó secuelas que el propio Lynch tuvo que arreglar en episodios finales, pero aquellas no fueron patadas de ahogado, Twin Peaks explotó. Tomando en cuenta que han pasado veinticinco años desde su primera emisión, y a diferencia de la “black lodge”, el tiempo en la realidad ha hecho estragos.

En 1990 se emitió el episodio piloto de una serie que fue concebida por David Lynch, enigmático director de Blue Velvet, The Elephant Man, Eraserhead, y Mark Frost, guionista de series de la época como: Hill Street Blues y The Six Million Dollar Man. El piloto muestra la  tristeza de un pueblo al hallar que la popular joven modelo, Laura Palmer, ha sido brutalmente asesinada y violada. El luto se llevará a cabo por varios personajes que parecen ser caricaturas, tejerán conjeturas acerca del asesino de Laura Palmer y se observará como este tranquilo pueblo conservador tiene más secretos de los que el espectador espera. El éxito se debió a su originalidad: se asemejaba a una soap opera (en la que se aproximaba a un público adolescente) combinada con espacios oníricos anti-freudianos de la mano de Lynch (en la que se acercaba a los seguidores del director Norteamericano); personajes originales como el detective Dale Cooper (Kyle MacLachlan), el misterioso Bob: arquetipo del mal en un pueblo tranquilo y la muchacha en la cual gira la mayoría de la trama: Laura Palmer (Sheryl Lee).

La primera temporada de Twin Peaks acierta con ocho episodios que son supervisados por Mark Frost en la escritura y David Lynch dirigiendo dos de los ocho. La segunda temporada, muy distante de la calidad de la primera, desarrolla cerca del episodio ocho la conclusión acerca del asesino de Laura Palmer terminando con un final de mitad de temporada espectacular. A partir de aquí se observa graves falencias en su estructura: arcos argumentales innecesarios, personajes vacuos y un humor que en vez de tomar el lugar de potenciador de la serie, la atenúa y torna absurda. ¿Se podría justificar todos estos malos episodios? Posiblemente no. Sin embargo en la época en la que fueron transmitidos, Lynch trabajaba en Wild at heart (1990) y Twin Peaks estuvo “abandonada”. Debido a la baja calidad de los episodios, la serie estuvo a punto de ser cancelada y la presencia de Lynch vuelve a notarse en los últimos episodios, específicamente en el último episodio que termina dándole una vuelta de tuerca completa. A pesar de la calidad “Lyncheana” del último episodio, la serie fue cancelada.

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Un año después del desconcertante final de la segunda temporada se estrena: Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992). Ésta película, dirigida por Lynch y con más de cinco horas de metraje original, muestra los últimos días de Laura Palmer y las investigaciones de dos detectives en un pueblo antagonista a Twin Peaks: Deer Meadow. En ésta conclusión-génesis de la serie, se puede sentir todo lo que el pueblo ocultaba e incomodaba, prostitución, Laura Palmer, drogas, Laura Palmer, promiscuidad, Laura Palmer toma en la película una fuerza visceral. Aunque las críticas de la serie no fueron favorables, es una de las películas más originales y oscuras de Lynch debido a que lo que en un principio fue una serie que era dulce y agradable, en la película se vuelve en todo lo contrario: una pesadilla con autoría de Lynch.

Twin Peaks aborda temas superfluos de una telenovela y al tratarlos sirven de crítica hacia un espacio conservador en el que aparentemente todo es perfecto. La divinización de personajes como Laura Palmer lleva a una especie de crisis colectiva al pueblo una vez que se encuentra que nada es lo que parecía. Todos los vecinos sonrientes de la casa de al lado parecen inocentes y culpables a la vez, la reflexión recuerda mucho al inicio de Blue Velvet (1986). Si bien encontramos al asesino Bob como una especie de arquetipo del mal. ¿No es la representación de toda la maldad del pueblo? Y si es así, todo el pueblo de Twin Peaks sería el culpable del asesinato de Laura Palmer.

Si bien encontramos muchas falencias en la serie, vale la pena observarla. Con Twin Peaks se cambió las reglas del juego en lo que a series se refiere, se pudo observar que un director tan excéntrico como Lynch podía moverse con cierta libertad sin importar el resultado. Posiblemente muchas de las series actuales le deban algo a Twin Peaks, tal vez. Los que alguna vez la vieron esperan con ansias la tercera temporada que al parecer será dirigida completamente por Lynch.

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Teaser de la segunda temporada de True Detective

Por Alejandro Burbano

Hoy fue anunciado el nuevo teaser seguna temporada de la serie Norteamericana True Detective. Después de tantos rumores acerca del casting y dirección de True Detective, por fin encontramos un Teaser en donde vemos a un cambiado Collin Farrell, una tenaz Rachel McAdams, un incontrolable Taylor Kitsch y el antagonista de la serie: un sorprendente Vince Vaughn. Como en la primera temporada, al parecer encontramos personajes atormentados que nos hacen recordar a Rust Cohle y Marty Hart, así como esa atmosfera de oscuridad inherente que atrapa a los personajes. Con la idea de ser una antología, la nueva temporada será estrenada después de más de un año que su predecesora, contando al parecer con pocos episodios suficientes para atrapar al espectador.

Fukuda: 50% absurdo

Por Yaco Arias

Cartelista, diseñador, escultor y maestro del engaño. Shigeo Fukuda pone la ilusión en ilusión óptica, no solo en bidimensión sino saltando al campo de la profundidad también.

Shigeo creía que el diseño debería tener 30% de dignidad, 20% de belleza y 50% de absurdo, el último siendo el más evidente en sus trabajos.  Si bien sus carteles tenían una meta comercial, cada uno de ellos trata de sumergir al espectador en el mundo irreal de la figura imposible.  Este término se evidencia más en su escultura “Lunch With a Helmet On” la cual es solo un montón de cubiertos para comer pero al proyectar su sombra, desafía a la mente mostrando una imagen de una motocicleta.

Su llama se extinguió en Enero de 2009 pero como cualquier artista dejó congelados momentos de ingenio en sus carteles y esculturas que inspirarían y engañarían a las generaciones venideras.