El sonido y la furia de Whiplash, de Damien Chazelle

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Por Alejandro Burbano

El anterior 2014 ha estado poblado de buen cine: Boyhood, The Grand Budapest Hotel, Fury; las cuales sobresalen por su historia, fotografía y reparto. Entre estas ha aparecido una que quisiera nombrar: Whiplash. Teniendo su origen en un cortometraje del mismo director presentado hace un año en el Festival de Sundance y concluido un año después de conseguir fondos para hacerla  largometraje, la película muestra a  Andrew Neyman un músico de 19 años (Miles Teller) que empieza a estudiar con grandes expectativas en un famoso conservatorio en los Estados Unidos. Terence Fletcher, su profesor (un idoneo J.K. Simmons) es estricto y no se molesta en humillar a sus estudiantes hasta dejarlos en una ruina mental. Ante la oportunidad de pertenecer a la banda del estricto profesor, Andrew dejará de lado todo lo que le estorbe para poder lograr su sueño de ser un músico de primer nivel, como si fuera algún tipo de cliché, a veces las cosas no salen como se quiere.

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Con referencias a Charlie Parker (en el cual es imposible no recordar el relato de Cortázar, El Perseguidor), Buddy Rich y otros grandes del jazz, Whiplash expone la música tal y como es. Su fuerza  radica en un diálogo constante entre la música y las escenas perfectamente trabajadas que concluyen en una fluida y atrapante conversación. J.K. Simmons hace un papel magistral así como Miles Teller (tal vez el único papel del actor que vale la pena elogiar), teniendo una relación tormentosa que llega hasta la violencia, el alumno y maestro justificarán sus actitudes para después verlas por ridículas.

El protagonista lo deja todo por ese gran sueño que parece a ratos tangible, sin embargo poco a poco se lo observa más y más lejano; las barreras que le impiden llegar a vivirlo tal vez tengan su origen en su sarcástico y difícil profesor, o tal vez, dependiendo  del lente con el que se observe, en el mismo. El guión que tiene su base en un cortometraje y una experiencia personal, fue escrito por el director; aparte de la música que vendría a ser el cuerpo de la cinta, la historia es la columna vertebral en donde los personajes se mueven con fluidez al centrarse en  personajes necesarios y no enfatizar en historias triviales. De esta manera, Chazelle logra acertadamente que el espectador sienta toda la tensión en secuencias memorables gracias a su genial reparto y logra algo mucho superior y más complejo, sentir la música.

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Fury, el cine bélico de David Ayer

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Por Alejandro Burbano

Fury es una película de acción Norteamericana dirigida y escrita por David Ayer estrenada hace pocas semanas en nuestro país y está protagonizada por Brad Pitt, Logan Lerman, Michael Peña, Jon Berntal y Shia LaBeouf. Narra las hazañas de un grupo de soldados Estadounidenses en la Segunda Guerra Mundial liderados por el Sargento Don “Wardaddy” Collier (Brad Pitt), mientras tratan de avanzar en un tanque  (“Fury”) en Alemania en el último año del Holocausto.

Ante la muerte del artillero del tanque, es asignado un nuevo miembro: un joven muchacho (Logan Lerman) de apariencia pueril que es destinado a sobrevivir con el resto del grupo. En el tanque el joven soldado tendrá que adaptarse al resto  y a las incontables órdenes que recibe de su superior, poco a poco logrará establecer una relación parecida a la de un protegido con el líder del grupo, que le enseñará a tener y perder todo por culpa de la guerra. El único que parece cambiar a lo largo de la cinta es el personaje interpretado por Logan Lerman: de un chico asustado y cobarde a un chico que sigue siendo cobarde pero que ha visto todo el horror de la guerra.

Fury es una excelente película de acción, en sus más de dos horas de duración el público (para los que pudieron verla en el cine) pasa la mayor parte de la proyección en constante tensión por las trabajadas escenas, que no constituyen solamente las de acción, sino de situaciones incomodas que muestran la naturaleza de los soldados. La tensión va disminuyendo hacia el final en la que las escenas finales no logran competir en lo que acción se refiere, con las del resto de la película.

El guión fue escrito por el propio director, y la trama es uno de los puntos débiles de la última obra de Ayer, ya que  muestra una no relevante historia en la relación del chico asustado de la guerra con el líder valiente e insensible que lo “adopta y educa” para que pueda sobrevivir. El personaje que interpreta Brad Pitt no logra llenar la empatía que el espectador pueda sentir por el protagonista ya que se encierra en el estereotipo de tipo duro salido de la guerra algo que también se aplica con el resto de los no notables personajes, que no logran empatizar por completo con él espectador, especialmente  el interpretado por Logan Lerman.

Fury muestra el horror de la guerra y como ésta concierne a todo hombre, no es nimia la referencia a “For Whom The Bell Tolls” en la mitad de la película en la que Logan Lerman aparece leyéndolo.

This Land Is Mine: Guerra desde el antiguo testamento hasta el día de hoy

Por Yaco Arias

Esta animación muestra el conflicto del medio oriente desde tiempos pre bíblicos hasta los días de hoy. Nina Paley es la creadora del vídeo que desde el año 2012 ha tenido más de 2 millones visitas solo en YouTube.

En tal creación vemos a las civilizaciones que han luchado por la “Tierra Santa”. Matando a los habitantes anteriores a ellos; solo tienen un breve momento de paz hasta que la siguiente tribu ataque. La violencia es cada vez mas fuerte y parece no tener fin pero al final se ve quien es el ganador de la larga batalla. Sí desean saber la historia de los actores de la animación aquí esta la pagina de Nina describiendo a cada uno de ellos. La canción utilizada se llama “The Exodus song” y aparece en la película de 1960 protagonizada por Paul Newman: Exodus.

Este vídeo es una verdadera obra de arte digital pero más importante que su estética bien realizada, es lo que deja en la cabeza del espectador. Si apoyas a cualquier bando en una guerra que ha sido registrada hacia mas de dos mil años por un pedazo de tierra, tal vez no debas apoyar a ninguno de ellos. No es tu guerra.

Daniel Johnston, el profeta inutil

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Por Alejandro Burbano

La primera vez que escuché una canción de Daniel Johnston tenía 14 años; una imagen de Kurt Cobain vistiendo una camiseta de Hi, How Are You (1989) me hizo ir directamente al computador más cercano y escuchar la primera canción que aparecía en los resultados de búsqueda, tal vez por mi corta edad o la indiferencia que da la adolescencia no preste atención a la maravilla que estaba oyendo, solo oí una guitarra y una voz desafinada cantando sobre un amor imposible. Tiempo después, descubrí el album Hi, How Are You y lo escuché una y otra vez hasta hartarme; busqué la biografía del autor y tal como había pasado con Syd Barrett, Van Gogh, Rimbaud, o Lord Byron, hallé que Johnston era una de esas mentes que crean una curiosidad morbosa en el lector u oyente, con vidas deprimentes y memorables, en las cuales su único escape es el arte. Daniel Johnston nació en 1961 en California, siendo el miembro más joven de cuatro hermanos en una familia con padres conservadores. Empezó a tocar el piano desde que era niño, en el que componía y empezaba a cantar. Sus principales influencias eran canciones de The Beatles (a los cuales dedicó una canción) , Queen, Neil Young, las cuales inundaban el sótano donde vivía y le servía de estudio de grabación y dormitorio.  Grabando composiciones, pensamientos propios, conversaciones y discusiones con su madre, Johnston empezó a registrar  todo lo que podía y las incluía en sus demos que hacía domesticamente. Era un adolescente diferente que seguía a la gente que le impresionaba con su cámara de mano y  su grabadora de voz.

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Johnston en su sótano-estudio

Los demos de Johnston,  que el mismo grababa, editaba y promocionaba, fueron escuchados por varios amigos y compañeros del artista y en 1985 aparece sorpresivamente en MTV. Mientras su fama iba creciendo poco a poco, sus problemas iban aumentando; la inestabilidad mental de Johnston le conducían a tener problemas con las personas que se relacionaba: regresando de un concierto en la avioneta de su padre, Johnston quita las llaves y las arroja por la ventana. Oportunamente, los conocimientos en aviación de su padre hacen que aterricen en una zona boscosa de la cual salen ilesos. Debido al peligro que representaba a su familia y al resto, es internado en un hospital psiquiátrico en donde siguió escribiendo, componiendo y aparentemente mejorando gradualmente. Su obsesivo fanatismo religioso lo lleva a tener presentaciones en donde realiza interludios en los que reza y rompe en llanto.  Cancelar un contrato con Elektra Records al decir que estaban bajo el servicio del demonio fue otro de los incidentes que hicieron que Johnston se aísle para vivir con sus padres. La fama una vez soñada se perdió al rechazar el contrato de Elektra, sin embargo tiempo después firmaría con Atlantic Records y lanzaría Fun (1994, Atlantic Records); el disco no fue bien aceptado por los consumidores y Johnston no volvió a trabajar con el sello discográfico. FunCDBorder   La obra de Daniel Johnston no solo está centrada en la música, también es un  prolífico dibujante, con obras que se publican y venden en galerías de todo el mundo. Sus dibujos van desde un colorido Capitan América que lucha contra Red Skull, un boxeador con la cabeza totalmente abierta en combate, referencias religiosas, patos soldados que se protegen del demonio y hasta “el ojo que todo lo ve de Satán”.  En estas obras, Johnston plasma sus miedos y sus anhelos; mirarlas sirve para acceder dentro de la cabeza de un artista verdadero y maravillarse u horrorizarse por el contenido.

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http://www.hihowareyou.com/art
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Actualmente Johnston sigue viviendo en la casa de sus padres, los cuales sirven de guardianes de su inestable hijo artista, el cual sale de gira de vez en cuando y sigue componiendo. No hace falta ver la obra completa de Johnston para sentir todo lo que su obra expresa, canciones como: The Story of an Artist, Hey Joe, Casper, Girls, The Dream is over, por no nombrar su discografía completa, muestran a ese artista que solo se encuentra en sí mismo, atormentado por los demonios (reales o imaginarios) de su propia cabeza.   

Man without a name: A Fistful of Dollars (1964)

Por Yaco Arias

A Fistful of Dollars

Director: Sergio Leone

Actores: Clint EastwoodMarianne KochGian Maria Volonté

Duración: 99 min

“The heart, Ramon. Don’t forget the heart. Aim for the heart, or you’ll never stop me.” -Clint Eastwood

  • Considerado el filme que dio vida al término spaghetti westernPer un pugno di dollari es el primer paso tanto para el estilo cinematográfico que Sergio Leone usaría en adelante, para el reconocimiento musical de Ennio Morricone y para la Trilogía del Hombre sin Nombre, siendo la película de hoy la primera de las tres. Veamos si esta cinta esta a la altura de su reputación.

Entra nuestro protagonista, el Hombre sin Nombre (Man without a name) encarnado por Clint Eastwood, llegando a San Miguel, en la frontera de Mexico y USA. El pueblo es gobernado por dos familias, los Rojos y los Baxter, quienes con sus altercados y negocios, han convertido a la localidad en el paraíso de los bandidos y los sepultureros. La violencia y la ambición son el agua y el aire en San Miguel. El protagonista decide jugar en ambos bandos haciéndose un agente doble con el objetivo de poner a los jefes de el lugar en contra y ¿por que no? ganar dinero mientras lo hace.

The Rojos on one side of town, the Baxters on the other, and me right in the middle.

Esta película logra cumplir su objetivo de sumergir al espectador en el ambiente western donde se desarrolla la historia. Creo que el punto mas fuerte de esta película es su ambientación, que encasilla el diseño del set y la composición musical. Basta decir que la localización y la utilería  tanto enfática como de escena se complementan de manera limpia con cada personaje, refiriéndome al vestuario y atrezo de los mismos. La composición musical de Ennio Morricone es obligatoria para envolver a los elementos ya mencionados preparando el mundo western de Sergio Leone.

A Fistful of Dollars fue filmado en España, cerca de Hoyo de Manzaranes y (como en los dos siguientes filmes) en el Parque Natural de Cabo de Gata-Níjar.

La historia aunque sólida y clara, no es uno de los puntos fuertes en esta ocasión. Mientras teníamos la historia principal de las dos familias y Eastwood bailando al son de ambas, había una historia secundaria donde una mujer (Marianne Koch) había sido secuestrada por Ramón Rojo (Gian Maria Volonté) alejándola de su hijo y su esposo, Eastwood logra salvarla y la reúne con su familia. Las dos historias se complementaron y tuvieron un desenlace sobrio, pero aun así, el argumento no fue algo inesperado o de vanguardia. En pocas palabras, bueno pero simple.

Sobra decir que la actuación de Cilnt Eastwood es la piedra angular para el entretenimiento del espectador y mas aún para crear la idea del cowboy renegado, la cual conocemos todos después de varias décadas.

Un punto más que añadir es el estilo cinematografico que usa Leone en este filme, el mismo que usaría sus subsecuentes obras. Los planos anchos del desierto y los shots de detalles como las expresiones faciales de los personajes o sus armas ayudan a generar el suspenso y tensión tanto narrativa como visual.

En conclusión, esta película merece la reputación que se le otorga al haber logrado el objetivo de convencer al publico de que el salvaje oeste existe y tiene un sheriff, se llama Sergio Leone

Tres poemas de Jacinto Santos Verduga

Selección por Alejandro Burbano

DIOS INSURGENTE

A Juan,
el lotero
que cuando va de noche
a la escuela, calza mis zapatos viejos.

No me preguntes más
la edad de la pobreza,
la estatura del llanto
y el domicilio del hambre;
confórmate con saber
que si Dios viviera
entre nosotros,
también clamaría
la insurgencia.

LA ESPERA

Aquí estoy
desde siempre,
ahorcándome
con el aliento,
sumergido
en la fiebre
de esta sangre
impaciente.
Enajenado.
Contándole
las uñas al tiempo
oyendo
como grita
el silencio.
Mordiéndome
los dientes.
Amarrado a esta ansia
de verte
y temiendo
que a tu regreso
solo encuentres
el polvo de mis huesos.

ELEGIA

a la memoria
de Don Ismael Pérez Castro

Yo que vivo sin reloj
y ya sin lágrimas.
Yo que me he vuelto primitivo
y desolado.
Yo que ya no creo, ni siento,
si me importa.
Yo que no me mato por pereza.
Yo que solo miro para abajo,
cuando supe de su muerte
sentí que el tiempo se paraba
y que aún había agua
en estos ojos
y latidos
y deseos de ser bóveda
para guardar el silencio
de un hombre honrado.

Locusta, Lobster boy en un juego de texturas

Por Yaco Arias

Grady Stiles
Locusta por Yaco Arias en Photoshop

Grady Stiles Jr. más conocido como “Lobster boy” fue un intérprete de los circos freakshow que padecía de electrodactilia transformando sus manos y pies en lo que parecían tenazas de langostas. En vida era ademas un alcohólico abusivo que maltrataba a su familia y hasta llego a asesinar a su futuro yerno. Un día su hijo y esposa contratan a otro interprete freakshow, Chris Wyant para que matara a Stiles. El 29 de noviembre de 1992 el “Lobster boy” recibió tres disparos en la cabeza matándolo instantáneamente.